Progettare un'Opera Prima di Dipingerla

Fai dei disegni preparatori nella tua pittura? ~

In tutte le arti, dalla danza, al cinema, dalla musica alla letteratura, si progetta un'opera, si fanno delle prove e si riscrivono delle parti prima di eseguirla.  Ma molti pittori amatoriali si stupiscono che anche in pittura sia necessario fare tutto questo. Tuttavia non ricordo di un grande maestro della storia -- da Leonardo ad Hopper -- che non abbia investito in studi e bozzetti preparatori. 

Un pensiero prima di prendere il pennello

Questa foto è molto indicativa del processo di composizione e preparazione di un dipinto, indipendentemente dalla tecnica pittorica che useremo. Qui vediamo gli studi del mio allievo Daniel, che in questo caso verranno tradotti in acquerello. 

Alcuni passaggi prima dell'esecuzione (Daniel)

Disegnare per conoscere il soggetto

A prima vista infatti un'immagine può sembrarci semplice, vista dal vero o da una foto. Ma è solo disegnandola (quindi osservandola in dettaglio) che ci rendiamo conto della sua complessità. Dobbiamo imparare a semplificarla per renderla gestibile in funzione della nostra opera.

L'importanza di una scala tonale

Traduciamo la foto iniziale in un disegno tonale di un formato carta di credito, al massimo di un cartolina. In questo caso stiamo lavorando su una carta intonata che corrisponde al valore n. 2 nella scala tonale in cinque toni che io uso e suggerisco. Il valore n. 1 (bianco) in questo caso è applicato con un bianco di titanio acquerello denso coprente. 

Questi studi ci danno tra le altre utilità, la possibilità di:

• semplificare il soggetto e tagliare l'inquadratura e il formato
• considerare più opzioni compositive, variando ad esempio alcuni toni 
• stabilire un elemento focale (in questo caso il campanile)

Nella versione A (pallino rosso) il campo medio viene ripulito da dettagli chiaroscurali. Sia la lingua di terra all'orizzonte che il cielo diventano più chiari (tono n. 1) quasi tutte nuvole, tranne alcuni accenti, che diventeranno azzurri nel dipinto.

L'immagine di riferimento del nostro dipinto

Nella version B a destra, sul cielo il chiaro delle nuvole si riduce a delle macchie e ha una direzione a V. Il terreno all'orizzonte torna più scuro come nell'immagine originale. 

L'anteprima monocroma ad acqua

I due bozzetti a matita vengono ridipinti in acquerello monocromatico su carta di cotone. Il nero è ottenuto mischiando i colori complementari e dosando la diluizione in cinque gradi. Questa fase ci avvicina alla fase pittorica consolidando l'impianto della luce e dell'atmosfera che dovremo mantenere anche col colore. Se hai occhio avrai notato che nella prova ad acquerello A il terreno in alto è più scuro rispetto al bozzetto. Daniel si è lasciato 'distrarre' dalla foto anziché seguire le indicazione del suo disegno. 

Un altro esempio di preparazione tonale (Stefano)

La distribuzione di pesi e forme

Le due fasi preparatorie sono molto importanti per conoscere il nostro soggetto, sia visivamente (chiaro/scuro) che come prova del tipo di pennellate da usare, stesure, umidità della carta e per i margini e gli effetti che desideriamo. La parte compositiva include decisamente molti altri aspetti, per esempio la distribuzione delle forme e dei loro pesi nell'opera. O le scelte armoniche. Ma non entriamo in dettaglio qui. 

Questi argomenti hanno bisogno di un percorso più lungo per essere trattati. Ma puoi commentare e fare domande qui o per email. Nella prossima puntata vedremo come Daniel avrà sviluppato e risolto il suo dipinto finale. 

Buona pittura! -- Francesco

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La stagnazione è una parte naturale della vita creativa. È il modo in cui rispondiamo alle battute d'arresto che definisce veramente il nostro viaggio da artista. Troverai la strada per la prossima stazione!

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Gioco #101 - ~ Acquerello di Francesco Fontana

Cerca in te non in rete

I musei e le gallerie d'arte sono un ottimo modo per trovare idee. Il luogo stesso è spesso fonte di meditazione e ricerca personale. Disegnare per studiare i grandi maestri è una grande esperienza. Sfogliare l'arte online va fatto con cautela, lo faccio al massimo per 15 minuti al giorno: è diventato un eccesso di stimoli e una distrazione dall'ascoltare la mia voce interiore. Anche le gallerie d’arte contemporanea (con discernimento) potrebbero innescare pensieri creativi.

Vorrei ricapitolare e aggiungere alcuni suggerimenti

1. Esponi su una parete quadri vecchi e recenti e scopri cosa hanno in comune (un colore, un soggetto, uno stato d'animo,..) (concetto del totem di Jerry Saltz)
2. Modalità di gioco. Imposta un gioco con una o due semplici regole (vedi il mio articolo) (dimensione, mezzo, tempo)
3. Ricrea alcuni di quelli che ti piacciono con un medium diverso. Come minimo  imparerai di più sulle peculiarità dei tuoi tecnica abituale.
4. Unisciti a un gruppo e chiedi feedback. Gli altri vedono quello che tu non vedi!
5. Viaggia, incontra persone diverse dal tuo giro, visita musei non d'arte (aviazione, design, storia..).
6. Ricorda ciò che amavi disegnare/dipingere all'inizio. Il vero tu potresti essere lì
7. Disegna, scarabocchia senza scopo, ma dedicando tempo e spazio ogni giorno
8. Dipingi soggetti sconosciuti, quelli in cui pensi di non essere bravo. Sorpresa!
9. Usa Internet come un giornale, non come un libro d'arte. La vera arte è nella vita reale.

Cerca il sostegno di altri artisti

Uno dei modi migliori per superare una crisi creativa è entrare in contatto con altri artisti (migliori di te) che capiscono cosa stai attraversando. Condividi le tue difficoltà, chiedi consigli e feedback costruttivi.

Spero che questo ti aiuti. È solo una piccola parte della pratica che svolgo. Parla con me e fai domande, anche questo crea.

Buona Pittura! - Francesco 

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